| Historia
del Arte |
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El
Cubismo :: Dimensión geométrica del Arte :: |
| Con el cubismo el arte inicia un apasionante viaje por las dimensiones que el cerebro humano puede construir y destruir libremente. Un arte mental, intelectual, una especie de operación quirúrgica, que debe su nombre a la apariencia de sus composiciones, formadas por pequeños cubos sobre las telas y que nace en 1908 por inspiración de Picasso y Braque. Su origen se sitúa en la reacción contra el arte sensorial de los impresionistas que es sustituido por la recurrencia a la razón y al conocimiento. La fuente inspiradora más directa del movimiento cubista, es la obra de Cézanne que pinta los objetos desde diferentes perspectivas, con la intención de enfatizar sus características esenciales. La complejidad de las formas se reduce a esquemas básicos diseñados con estructuras geométricas, líneas rectas o curvas muy simples, círculos o arcos. El color es siempre muy apagado y subordinado a la forma, siendo los diversos matices de pardo, verde oscuro, azul, blanco y negro, los colores predilectos del Cubismo, los interiores se representan mediante transparencias y la luz desaparece definitivamente.
La multiplicidad de ángulos desde los que se contemplan los objetos, para obtener una cuarta dimensión, se lleva hasta sus últimas consecuencias para conseguir la disgregación y fragmentación de lo representado, en diferentes planos que se reconstruyen en una presentación que puede parecer arbitraria. Esta es la fase conocida como "Cubismo analítico" y que precede al "Cubismo sintético" cuya característica más visible es la incorporación a la obra de diversos materiales, recortes pegados sobre el lienzo, trozos de periódico, telas, hules, papeles pintados de decoración y letras, técnica conocida como collage. Los objetos se representan ahora, mediante la memoria que realiza una selección para componer una imagen que sea unidad y esencia plástica de lo representado. En esta etapa de "Cubismo sintético" el colorido se intensifica y el contenido se dota de mayor serenidad y alegría, siendo más fácilmente interpretable. Los pintores cubistas no introducen en sus obras los avances de la civilización, por el contrario, mantienen su vinculación a los elementos tradicionales como jarras, vasos, figuras humanas o instrumentos musicales. Braque es autor de intensos ensayos sobre los propósitos del cubismo, donde defiende la creación de un nuevo género de belleza en términos de volumen, de línea, de masa y de peso, para interpretar las impresiones subjetivas. Juan Gris muestra por la racionalización de sus naturalezas muertas, animadas con frecuencia por instrumentos musicales, una gran distancia con las sensoriales obras de Matisse, aunque en muchos casos las fechas coincidan. En sus obras se vislumbra, bajo las estrictas figuras volumétricas, el objeto representado. Fernand Léger después de pasar algún tiempo bajo la influencia de Matisse, se entregó a la representación de la naturaleza por medio de elementos geométricos, como el cono, el cilindro y la esfera, que se representa como un entramado de formas, en su primera obra cubista, Desnudos en el bosque. Considerado uno de los artistas más personales, sus obras se distinguen perfectamente del resto de los pintores del movimiento. Sus temas favoritos son máquinas y hombres mecanizados. En sus cuadros eligió los cilindros como base geométrica de sus composiciones, por lo que algunos críticos designaron su estilo como "tubismo". Pablo Ruiz Picasso es la máxima figura del arte del siglo XX, y la personalidad más controvertida y significativa del arte moderno y contemporáneo. Su fenomenal talento le permitió transgredir las normas del lenguaje artístico, creando el suyo propio. A lo largo de todas sus etapas artísticas, nunca cesa de intentar descubrir todas las posibilidades teóricas y prácticas del arte y su cerebro inconformista y perfeccionista impulsa a sus pinceles a trabajar continuamente en nuevas direcciones. Su representación de Las Señoritas de Avignon es considerada el primer cuadro cubista. En su obra, símbolo de nuestra época, se plasman los miedos, las angustias, las supersticiones y mitos de la sociedad de su siglo. Es un artista de la libertad que no puede detenerse ni por la tradición, ni por los convencionalismos y los prejuicios, ni si quiera por su propia obra. Con los símbolos crea un mundo propio y una vida en la forma, de modo que un manillar puede poseer la fuerza embestidora de un asta de toro, y de una guitarra diseccionada en formas cubistas, parece emanar música liberada de la madera y de las cuerdas. En toda su variable vida artística, se manifiesta la constante de compromiso con el tiempo en que vive y la solidaridad con la humildad de cualquier momento o en cualquier lugar. Comenzando con los magros cuerpos de su época azul, hasta llegar a los destrozados semblantes de su época expresionista, el dolor por la humanidad que sufre es un sentimiento constante en su obra, una abstracción turbadora y compasiva que se asoma desde sus gritos, sus planos angulosos y sus miradas nocturnas.
En la escultura, el ideal geométrico del Cubismo se encontró bastantes seguidores de forma episódica, tal es el caso de Brancusi, Julio González o Lipchitz; otros, como Duchamp-Villon y Archipenko, construyeron a partir del cubismo, su credo estético. El escultor ruso Archipenko comenzó moldeando formas geométricas, a partir de un solo material, pero desde 1912 introduce la combinación de diversos materiales, como la madera, el metal o el vidrio, al estilo de los collages pictóricos. Fue pionero en la compresión del valor expresivo del espacio vacío, en alternancia con las protuberancias. Gran número de los artistas cubistas abandonó el movimiento, para continuar por sus propios derroteros, pero la intelectualización de la realidad y la creación geométrica, puramente mental de las formas, con las superposiciones y transparencias perduraran, con algunas alteraciones, a lo largo de toda la pintura del siglo XX.
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